小学素描课件(正方体素描课件)

下面是小编为大家准备的10篇小学素描课件,欢迎阅读借鉴。

篇1:小学素描课件

教材分析

初步运用素描方法去观察、分析、描绘物体的立体感觉。在教师的讲解和示范画正方体素描图的基础上,知道结构素描的要点和技巧后再进行创造。

教学目标

1、知道什么叫素描、结构素描。

2、通过观察、分析、比较,使学生初步掌握物体的明暗方法。

教学重点和难点

让学生能初步运用素描方法去观察、分析、描绘立体的物体。

一、组织教学

二、导入新课

1、出示

2、梳理目标

三、引导创作

1、什么叫素描呢?什么又叫结构素描呢?

2、既然结构素描以线条为主,我们怎样才能把线条画好?

3、示范排线的.画法。

4、欣赏书中的例图。

5、学生自由选择实物进行创作。

四、展评激励

板书设计

素描

素描是用单一颜色来描绘对象的一种绘画。教师讲解素描实物的步骤及方法:

(1)用铅笔画好轮廓线。(从整体出发,用直线轻轻的画)

(2)认真观察实物光照下明暗变化,用排线画出物体的明暗,表现出物体的立体感。

学生学习活动评价设计

将学生的作品进行展示,评出优秀作品。

1、让学生先自评,再相互评价(从轮廓的勾画,物体明暗

面的表现,线条的绘画,物体的比例是否得当来评。)

2、展示自己的作品、自评作品、同学互评、听师评、畅所欲言谈素描要点。

教学反思

素描训练是从简到繁、由浅入深融思维和创造为一体的造型过程。初学素描时,学生由于缺乏对客观对象的认识和理解,尽管他们有正确的视觉感受,但总是心有余而力不足,往往不能正确地分析形象的特征、结构和内部联系,缺乏整体观念,喜欢钻入局部,结果是费力不讨好。针对这种情况,教师要及时给予指导,肯定优点,指出存在的问题。在教师的讲解和示范画苹果素描图的基础上,让学生知道结构素描的要点和技巧后再进行创造。

篇2:小学素描教案和课件

小学素描教案和课件

素描同时是一种造型艺术,他的目的是在两维的纸面上创造三维的立体形态。造型的准确和内在结构的`科学是最为重要的。

教学目的:

1、培养热爱素描艺术的情感。

2、了解素描基本知识。

教学重点及难点:

1、素描的基本知识。

2、研究表现手法,找出与其它绘画的区别。

电教、教具、学具准备:投影、素描例作。

教学过程:

一、揭示课题:素描欣赏

二、素描基本知识讲解

1、什么是素描?

从绘画的表现形式来说,素描就是单色画。我们用毛笔、铅笔、钢笔、木炭条等工具画出来的黑白画,都可以叫素描。

2、素描训练的作用

素描的表现力很强,常用来作为基础训练的手段。

(1)素描主要培养学画者的观察力。

素描的观察方法是全面研究对象的各种复杂关系的基础。即研究三方面关系。研究对象内部内构造与外部形体的相互关系;研究对象的整体与局部的关系;研究对象的本身与周围空间环境的关系。

(2)学会表现方法

表现方法在给画中是一个广泛的问题。在素描中,学会怎样在观察的基础上,表现出立体感、空间感,怎样用色调来塑造大的形体。

三、欣赏例图

(1)欣赏《神话传说》毕加索 《白杨道》凡高

《血衣》王式廓 《妻子和我》伦勃朗

(2)思考,小组讨论

比较名作在线条处理、构图形式、风格特征上的异同,完全独立地谈谈你的观感:喜欢或不喜欢哪些作品,为什么?

(3)学生阐述,研究例图的表现方法

四、用铅笔、炭笔或钢笔等工具临摹自己喜欢的作品,并试着用学来的方法绘画。

篇3:素描教学课件

素描教学课件

学时:2学时

课程内容:

1、素描的定义、产生及发展;

2、素质的基本分类和学习意义;

3、素描的工具和材料;

4、素质观察方法;

5、认识点、线、面

教学目的:了解素描的慨念,素描的含义、功能,素描的基本学习方法。

重点难点:三度空间的理解与素描的观察方法

教学环节:

一、素描的定义

1、名词解释

广义上的素描,涵指一切单色的绘画,起源于西洋造型能力的培养。

狭义上的素描,专指用于学习美术技巧、探索造型规律、培养专业习惯的绘画训练过程。

“素描”单从字义上理解是“朴素的描写”,从所用的工具上讲是指单色绘画。它是一种以单色为主的表达人的认识和思维的绘画形式,其形式、品类的简繁与粗精有程度的不同。虽然美术包涵的专业很多,素描乃是各个专业的共同基础课(或者说它是一切造型艺术的基础)。

现代造型艺术入门,都须经过严格的素描基本功训练,它包括对透视学、投影学、解剖学等自然科学规律的认识和掌握,也包括对造型的观念、造型的美学原则、造型的诸形式要素和各种艺术表现方法的实践和认识。

就绘画创作而言,素描是绘画的开始,是创作过程中的一个前过程。画家从创作构思到构图落幅,用单色画稿子,寻找比例关系和明暗层次等属于素描的范畴。

2、素描的分类

按研究对象来划分可分为:研究性素描、表性性素描、速写;按表现形式来划分可分为:结构素描、写实素描。其中设计素描与素描创作都是在写实素描(也称光影素描)的基础上延伸与发展的。

① 研究性素描:一般指素描习作。它是在感性认识的基础上对物象进行较深入细致的全面研究,以达到充分地理解对象,知其然并知其所以然,由感性认识上升为理性的把握,并通过大量的实践掌握自然规律和塑造物象的能力。

② 表性性素描:这是在充分理解物象的基础上主观性表现物象的一种素描形式。大多数应用于创作阶段

③ 速 写:是指在较短的时间内,用简洁概括的手法捕捉变动易失的对象的一种素描表现形式。速写可以为习作速写和创作性速写,也包括为创作收集素才的速写。

本阶段主要的学习方向为写实素描(光影素描)的写生,即基本造型方法。

二、素描的产生和发展

1、西方素描的产生与发展

素描在人类绘画史上是一种古老的表现形式,可以追溯到150以前(法国的拉斯科岩画在2万年前)。古希腊素描重视线的表现力,形成一种轮廓画法,具有独特的质朴之美。

素描作为一门基础学科被确立下来源于意大利文艺复兴时期,标志着西方素描走向成熟。出现了美术学院,素描被设为主要的基础课程。

17世纪开始,欧洲艺术中心逐渐转向法国。素描的表现形式趋向自由的多元化的追求。18、19世纪是世界写实主义绘画发展的鼎盛时期,出现了大批成就卓著的大画家(华多、大维特、安格尔),19世纪的法国画坛出现了浪漫主义、写实主义、印象主义等创造性的素描风格(德拉克罗瓦、柯罗、毕沙罗、杜米埃、德加、修拉、罗丹、梵高、塞尚等)。此外,德国出现了门采尔、珂勒惠支两位素描大师,俄国的契斯加可夫创立的素描教学体系造就了列宾、苏里可夫、谢罗夫等一代批判现实主义画家。

20世纪的西方素描,建立在反传统的基础上,出现了野兽派、表现主义、立体主义、等多种流派共存的多元局面。到20世纪中叶,现代派绘画已发展到了不反映肉眼看到的对象,而表现肉眼所见不同的对象。与之相对的具象艺术、新古典主义、超级写实主义绘画在现时代仍占有重要位置。

2、我国素描的发展与回顾

无论是中国或是西方,原始艺术用线条造型有着共同的形式特征。而中国人对线条的理解和表现是独特而超前的,中国的书法可以说是最简洁、最抽象的素描。线条是我国历代绘画尤其是人物画的基本造型手段。

线描在我国真正成为独特的艺术形态是从唐代吴道子开始,宋代李公麟则是集大成者。

元代以前的绘画力求艺术性的表现,着眼于传神、写意、着重形象与笔墨的“气韵生动”,而在绘画的科学性方面(透视、解剖、明暗)是落后的。

到了明代和清代,西方的绘画开始对中国产生影响,其中以意大利传教士罗明鉴、利玛窦以及清代宫廷画家郎世宁影响最大。

xx战争失败后,一些进步知识分子向西方寻求真理,以图救国革新。李叔同留日回国任教于浙江高级师范,刘海粟留法回国创办第一所美术学校上海美专,为中国美术的发展做出了不可磨灭的贡献。

20世纪的中国画坛贡献最大、成就斐然,影响广泛的美术教育家当推徐悲鸿先生。50年代,我国的美术教育主要借鉴前苏联的模式,全国第一次素描教学座谈会后,契斯恰可夫素描教学体系在我国普遍推行。

改革开发后,艺术领域开始活跃起来。1979年全国第二次素描教学研讨会的召开,改变了素描单一化的造型观念,为不同学派的发展和造型风格的多样化奠定了基础。美术院校的素描教学由单一的明暗块面表现转为以结构为主,线面结合、线条造型等各种形式的探索。

3.素描的基本概念

自然界是(三度空间)的形色存在,而绘画是平面则是事实。从事平面创作者,必先认清这种平面与空间之间的差异性。在平面中追求三度空间的视觉效果,便是历代大师们所致力深究的透视法则(远近法),即在一张平面作品上,经由透视法则的暗示,使画面产生深度的错觉。

平面中追求深度,本身是一种矛盾,因为平面永远不等於三度空间。因此,画家利用透视法则,在画面上表现出立体深度效果,即使几可乱真,也只是一种错觉而已。事实上,再精确的描绘,甚至是一张摄影作品,平面是永远不争的事实。

视觉判断深度空间,除了透视上的造形变化之外,大多以移动眼睛的位置,及双眼视差的方式进行。

双眼视差:当眼睛在观察某一对象时,事实上,在两只眼睛的视网膜上,呈现的是两个不同

视角的影像,经由大脑的结合,产生深度的效果,特别是愈靠近眼睛的物体,双眼视差的效果更为突显。譬如将自已的食指直指双眼,左眼与右眼所看到的影像,便因视角上的差距而有所不同,不过这两个同时出现的不同影像,经由大脑,可以将之结合而作出判断。

移动眼睛:移动眼睛的观察角度,可使前后物体移动的速度不同,更是判断深度最具体的方式,尤其对远近差距大的物体,感觉更是明显。我们可以做一个简易的实验,便是左右移动你的眼睛,注视眼前的任何一件物品,如此会出现不同观察角度的影像,经由这些先后出现的不同影像,能轻易对该物体的空间位置作出判断。

事实上,双眼视差及移动眼睛是平面绘画所无法做到的,也许先进的科技可以轻易的解决此一难题,不过,追求深度并非绘画创作的惟一选择。除了平面上追求空间外,画面所产生的光线效果,亦是一种暗示与错觉,画面所表现的阳光,永远不等於真实的阳光。何以然,比如一张水彩画作,画面上顶多是以白纸的白表现光源。自然光源和白纸的白,二者的亮度如何能比,但画家所能作的,便是利用明暗关系的对比法则,表现出光的感觉。不只是明暗如此,色彩、体积、质量、空间感亦足如此。

绘画表现上所运用的各种表现行为,即所谓绘画的造形语言。基础绘画便是训练学习者能理解并熟悉这些绘画语言,以期在创作表现能得到更充份的自由。

惟有确实的理解,才能取舍自如:确实的理解,便是基础训练,取舍自如,才是创作真正的目的。也就是说,基础学习在於取,创作则是可取可舍。

▲基础素描,一般是通过写生的观察及练习,去理解素描所蕴含的各种观念与表现技法。而写生的对象,可以是静物,可以是风景,也可以是石膏像,经由这些对象物,素描的观念与经验才得以客观地产生流通与传达。

至於以照片或幻灯片进行基础练习,实为不妥。首先,平面的照片无法体验出三度空间(体)的`视觉效果;再者,基础的学习,旨在通过写生,以培养扎实的表现能力,及敏锐的观察能力,以便日后作为创作的根基,若只是依样(形)画葫芦,那就失去基础学习的真意了。

简言之,素描主要是训练对写生形体的观察与表现,而照片只能见其平面的形而无法察觉其空间的体。我们以理性的态度去面对基础学习,更应该以感性的态度去面对创作。

三、素描的工具与材料

绘画创作,除了不断在表现上寻求突破外,理解与掌握材料工具的特性,亦不容轻忽。因此,有效的掌握材料工具,才能确保创作意念的自由表达,使笔能随意转,游刃而有余。否则意到笔不到,创作的意念只会平白的消耗在材料的克服上,即使有再好的构思,再强烈的表现,亦是胎死腹中。

工具材料对素描而言,只是一种手段,而非目的。在材料的选择上,不必过於拘泥,只要能符合素描学习的要求与效果,任何材料皆可运用。

1.铅笔

是素描练习上最常用的表现笔材。目前市面上的铅笔款式相当多,有木质铅笔、工程用自动铅笔、全铅笔、扁铅笔等,不一而足。款式不同是为了配合不同的需求,其所含笔心部份则大致雷同。笔心是由石墨与胶质混制而成,二者的混合比例不同,而产生不同的软硬度。通常在铅笔末端,都会以[B](Black)及[B](Hard)的号数标明其软硬度。H的号数愈高,笔心愈硬愈淡,适合精密描绘。B的号数愈高,笔心则愈软愈黑,较适合素描练习使用,其中2B、6B最常使用。而介於二者之间的[HB],因笔心软硬适中,多用於笔记书写。

2.炭笔

炭笔种类繁多,除了木炭条外,更有以炭粉加胶混制成的各类炭精笔,由於炭笔可表现出较铅笔更深的暗色调,又易於大面积涂抹,故常作为素描练习的重要笔材。

◎木炭条

1.多以柳树、樱桃等新枝烧制而成,由於采集及烧制不易,故价格较为昂贵。

2.选择时以质地匀细、平直节少为佳。木炭条亦有粗细软硬之分,可依个人所需多加尝试

木炭条色黑质松,能快速且大面积的涂擦揩拭,适合大画面整体明暗之调整。不过因炭粉的附著力较差,完成品必须及时喷上一层固定喷胶,否则炭色极易浑浊脱落。

◎炭精笔、炭精条

皆为炭粉加胶合剂混制而成,故附著力较强,也就是较不易修改。除了黑色外,尚有白、黑褐、红褐等色制品,常用於速写。粉质的炭精笔性质类近於硬粉彩,故亦可作为粉彩画起稿施底之用。腊质炭精笔,附著力更强,涂抹更不易,画面易有乾涩之感,使用时得事先留意。

3.色粉笔、赭红色粉笔与粉彩笔

4.橡皮擦、可塑性橡皮

5.其他表现媒材

除了铅笔、炭笔外,沾水笔、粉彩,水彩......只要能达成素描练习或创作上的要求,皆无不可,即便是其它毫不相干的材料。不过,基础素描实际上是一种观念及表现的训练,材料的选择并非首务,多以容易掌握,方便取得为原则。

◎纸。素描用纸,限制不多,各类纸张,如描图纸、宣纸、水彩纸、光面纸及各色粉彩纸,甚至纸张以外的材质皆可尝试。可依据使用的笔材及作者对材料特性的要求作为选择的依据。素描专用纸,因是棉浆制成,较木浆制纸具较长的纤维,纸质结实强韧,耐擦拭,不易起毛,且纸纹稍粗,使炭色容易附著,涂抹均匀,反而是初学者最佳的选择。

◎素描固画液。主要由松脂混合酒精及其他溶剂制成,除固定画面上之木炭粉外,亦可保护纸面,使之不易受到沾污。若使用铅笔或炭精笔完成之作品,虽其附著力较强,但最好也能喷上一层固定胶保护画面。

四、素描写生基本技法与观察方法

▲1.基本技法

技法是绘画的基础性工作,由於各种技法的综合应用,组合出画面上的形、色,并赋予一幅作品某种意义与生命;因此,在从事铅笔画的创作之前,对铅笔画的技法必须先有基本认识。

基本技法注重用笔的方法,依笔触形状(线条)的不同,可分为以下几类:

直线笔触:

用笔时线条刻意画直,即成直线笔触。直线笔触排列整齐时,会给人一种清爽整齐的感觉,但易流於呆板,因此可适度调整线条的方向变化,以增加活泼感,却也不可过度,以免显得杂乱无章。

长三角形笔触:

下笔时力量先重渐轻或先轻渐重,都能画出细长的三角形笔触,长三角形笔触和直线笔触类似,但本身多了渐次的变化;因此,当长三角形笔触规则排列时,便能产生色彩渐变的渐层效果。

曲线笔触:

将线条弯曲即成曲线笔触。曲线具有优美、柔软的特性,比直线难控制,因此要多作练习,直到各种转折极为顺畅,才能表现曲线之美。

不规则笔触:

任意用笔涂画,即成不规则笔触。不规则笔触的应用,能增加画面的变化,使人感觉生动活泼,但也易陷入杂乱无章。

点状笔触:

利用笔尖敲点纸面,即形成点状笔触。描绘时,刻意变化用力的方向,便能产生不同形状的点状笔触;如圆形、小三角形等等,适合琐碎复杂的物体描绘。

连续笔触:

连续笔触是指以笔快速地来回绘出直线或曲线线条的笔法,由於快速来回移动,故能很快地绘出一个色面,但是较难控制线条的形状及色面的范围。

2.特殊技法

特殊技法除了铅笔之外,尚必须使用其他的辅助工具;有的是以其他工具为主,铅笔为辅;有的是以铅笔为主,其他工具为辅,或者两者相辅相成。总之,在此类技法中,其他工具占有相当重要的比例,练习时,其他辅助工具的合?使用是不可少的。以下就依使用工具与技法运作之不同,加以分类:

纸纹的应用:

作画时,纸张的选择,可使画面产生事半功倍的效果。例如:选用粗糙的纸,便可轻易作出粗糙的质感;平滑的纸则有助於笔粉的平均涂布,以增加画面的光滑感。这些都是纸纹所产生的辅助效果。

橡皮的应用:

橡皮除了可擦去画错的部份之外,也可作为画具使用,例如:将硬橡皮削成尖棒状,或将软橡皮捏成尖细状,便可擦出细长竹线条:此外,以橡皮(软硬皆可),轻压画面,便能产生如白云状的白色色块。只要画者肯花心思去想,橡皮定能配合个人的意思,做出所期望的效果。

擦抹技法:

擦抹技法是在画好的笔触上,以布、纸、纸笔或手指摩擦压抹的技法。由於布、纸、手指等所产生的推压作用,使铅笔粉的涂布极为平均。而达到减弱笔触痕迹。柔和调子的功能。其中布与纸适合擦抹大面积的画面;纸笔由於具有类似铅笔的尖头,适合用来擦抹小面积的画面;至於手指及橡皮的擦抹效果就显得较差,因为手的汗渍容易影响画面的效果,橡皮则很容易将笔触擦去。

水彩颜料的辅助应用:在已完成的铅笔画上,可涂抹一层淡淡的水彩,如此不但能保有原来的铅笔色调及笔触趣味。更能增添画面的色彩变化。使作品的表现更丰富。加水彩时,应避免过浓、过深的颜色。否则易将原稿的铅笔笔触盖掉;也不可用水彩笔作多次涂抹,以免色彩灰涩,笔触模糊。

熟练的铅笔技法应由简入难、循序渐进。基本技法可谓为铅笔画法入门,熟悉各类作法与应用,对於往后笔法的丰富化有莫大帮助;加上特殊技法的磨练。必能使画者迈向得心应手、挥洒自如的境界。

五、认识点、线、面

1、体积

① 体积感

所谓体积,便是自然界的实体在三度空间中所占据的空间位置。体积与空间是相对应的,体积是有的存在。而空间却是无的存在,也就是实与虚之间的关系。

而视觉感官,通常是最直接且最迅速的一种知觉方式。实体借由光线所呈现的明暗色彩等提示,视觉很快可以对真实体积的存在作出判断,在绘画上,同样也是利用明暗色彩等造形的手段,作出体积感的判断。

不同的材质的实体,会呈现出不同的体积面貌,比如山石树木,人物走兽,除了在表面上具有不同的外形特徵外,实体内却隐含著一种组织结构上的差异。在山石树木上所呈现的内在结构特质,是经过长时间的积累或消蚀,而以特有的形貌外显出来。而人物走兽,内在却隐含著更复杂的骨骼与肌肉的结构关系,表现在外的形貌,更因各种不同的活动状态,而变化万端。

因此在绘画的体积表现上,必须彻底的理解复杂的内在结构特性,才能确实的掌握外在形体上的造形特征,尤其是人物走兽的体积表现,这种内在与外显的结构特征,便是所谓的内在结构与形体结构,二者乃因果的关系。

▲若以人体的表现为例,内在结构指的就是有关人体骨骼与肌肉的解剖结构。对於一个初学绘画者而言,人体解剖上的认识,相当重要,不过,如果说要完全认识人体上的每一块骨骼与肌肉,甚或在不同的动作与姿势下,骨胳与肌肉所呈现的复杂互动关系,恐怕穷首白发亦不为功,基於学习的立场,了解人体解剖上的基本关系固然重要,但通过仔细观察与不断的表现练习之后,再去印证人体解剖上微妙关系与变化,才是较为可行的途径。由於人体结构的复杂与多变性,在基础素描的学习上,一直被视为训练体积的重要课程。

② 明暗与结构

早在文艺复兴时期,大师们即以严谨的态度,将解剖与透视表现得淋漓尽致,尤其是人体骨骼与肌肉结构的精练表现,到了十七世纪,才逐渐重视明暗的表现力,徐悲鸿先生便曾指出:在林布兰之前,作品都按肌肉外型来画,林布兰之后才用明暗分面法,这是自然科学的发展使画家观察客观世界有了进一步的认识。明暗法在表现上更为有力,这种素描对油画最有益,加上十九世纪印象派对光与色的提倡,因此,注重内在结构坚实表现的结构画法,便逐渐为外表光鲜的明暗画法所取代。

明暗与结构是体积表现的两大基础,二者关系密切,互为表里。

何谓明暗素描与结构素描,事实上两者皆须借助明暗的提示,并以结构面的方式加以理解。明暗素描以明暗为主,利用结构表面的明暗变化进行素描。而结构素描则是以结构为主,明暗为辅进行素描,且多以线的概念加以表现。两者的差异在於明暗素描是表面的,多变的,受光线左右,而结构素描则是从本质出发,是内在的,较稳定结实且较不受光线左右。

在素描的实际进行上,光影素描通常以感性出发,先掌握大体的造形及调子,再经由分析深入刻画细部,最后进行整体调整而完成画面。但结构素描的训练方式,则是由内而外的理性观察,再加以表现;

▲表现在人体上,便是透过解剖结构的理性观察与分析,再借助形体结构的几何构成来概括对象。

2、方向面

光线与结构面之间的明暗变化,这种关系在明暗素描的练习过程中,扮演极为重要的角色。不同的结构体,是由无数的结构面组合而成,而不同的结构面因光线的投射角度不同,而各具有不同的明暗调子,这种不同方向面的明暗变化,便是视觉上判断体积厚度的一个重要的依据,在绘画的表现上也不例外。

▲3、三面五调

三面:黑、白、灰

五调:高光、中间调、明暗交界线、中间调,反光

高光:

在受光面部份,结构面上光线之入射角与反射至眼睛之反射角相等时,单位面积反射光量最多,故为受光面的最亮处,在结构体上呈现最白的调子。一般而言,高光泛指受光面较亮之调子,以别於中间调,而高光点理论上只有一点。

中间调:

亦为受光面部份,高光以外之结构面,因光线进行角度的关系,单位面积反射至眼睛的光量,则依其角度变化而逐渐减弱,在结构体的明暗上呈现较灰的调子。

明暗交界线:

受光面与背光面的交界处,由於此处结构面与光线进行方向平行,单位面积的受光量几近於无,而且所受的反光量亦最少,因此在结构体中呈现最暗的调子。

反光:

受光面的明暗变化,受光源进行的方向所影响。而背光面则正好相反,其结构面的明暗变化,是受到反射光的影响,反光程度的强弱,会因光源强弱及反射物体结构面的方向、距离及材质的影响,光源愈强,反光愈强。也可以说,反光是背光面的光源,只是反光的来源通常较为复杂。一般而言,受光面的光源较为单一化,而反光则会因物体周围环境的影响,而有所变化。理论上,背光部份的明暗变化,一如受光面,不同的结构面,单位面积所受的反光程度不同,所呈现的调子,会因结构面的方向与反光进行的角度产生变化。在画面表现上,由於反光不似光源强,故多呈现灰色调子。

投影:

光源投射於结构体上,产生了受光面与背光面,而光源的进行受到结构体的阻隔,会在另一个结构体上产生投影。我们通常把物体的背光面称为阴,而投射在另一结构体所产生的投影称为影,即所谓的物体的阴影。投影的明暗调子,要根据投影部份的结构面材质而定。通常在写生练习中所观察到的投影,会受环境光线的影响,愈接近结构体的投影调子较暗,边缘线较清晰,愈远则较淡较模糊,这是因为一般的室内写生,光源较不统一,且容易受到周围各种反光的影响。

任何结构体在受光的情况下,由於结构面与光源的方向关系,基本上皆会产生以上五种明暗调子。五大调除了可以表现光线感外,更因不同方向的结构面会有不同的明暗变化,素描上便是利用这种方向面的明暗变化,暗示出结构体的体积感。

课堂互动:

1、各种绘画工具的使用与特性作示范

2、线条练习的示范

3、基本静物写生组合观察与绘画示范

思考:素描与中国画的区别和联系

作业:

1、线条的练习

2、组合静物写生两张(四开纸)

①、啤酒瓶、陶罐、水果、白磁碟、白色衬布

②、五至六个鸡蛋与白色衬布

3、人物速写十五张

篇4:美术素描课件

美术素描课件

美术素描课件

一、教学目的

介绍素描的基本概念,了解素描这个重要画种的发展。掌握素描的材料和功用。理解素描在艺术和社会领域中的地位与意义等等。使学生透彻的理解本门课程的具体含义,为接下来的素描静物实践训练作理论指导。

二、教学重点与难点

1、介绍素描的含义。2、掌握素描的材料和功用。3、理解素描在艺术和社会领域中的地位与意义。

三、教学方法

讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。

四、教学内容与过程

(一)何谓素描:

1.素描( DRAWING )、速写( SKETCH )、素描( DESSEIN )。

2.由木炭,铅笔,钢笔等,以线条来画出物象明暗的单色画,称做素描。素描是一切绘画的基础,这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。 (艺术家杂志,论素描--萧如松)

3.素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法,如蜡笔,炭笔,钢笔,画笔,墨水,及纸张,其它还包括在湿濡的陶土,沾了墨水的布条,金属, 石器,容器或布的表面所造成的磨损。 (艺术视觉百科全书)

4.轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感,观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系,并包括 节奏,主动与被动的周围环境,平面,体积,色调,及质感。

5.素描是一种正式的艺术创作,以单色线条来表现直观世界中的事物,亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像 绘画那样重视总体和彩色,而是着重结构和形式。 (大不列颠百科全书)

6.在西洋美术辞典(雄狮图书公司出版)这本书中,与素描相关的解释,只 有速写一项,文中认为作品或作品部份的粗略草图,是艺术家针对光影 、构图和全幅之规模等要点所作的研究和探讨;它是全幅画的初步构图或其中之一。一幅出自风景画家的速写素描通常是一幅小而快的记录, 用来表现风景的光线效果,同时也是为了将来重新作画时的构想作准备。

(二)素描的地位:

1.素描为一门独立的艺术,具有独立的地位和价值。

2.素描是其它艺术的必然基础,尤其是水彩,油画,版画,雕刻(浮雕), 另外对平面设计,也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术,不需要颜色及第三度空间,却也同时暗示这两者。

3.素描是画家工作的最后成果,也可以作为复制或摹写的基础,但以它的性质而言,它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿,但素 描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿,然 后用色彩渲染,当艺术作品完成时,素描稿常被掩没或销毁。因此,素描只是一种技术准备。到14世纪末,素描不再仅是附属品,而成为一门 独立的艺术。它有着广泛的表现范畴:能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后,素描已不仅只有实用地位,而是成为能代表人 类创作能力的艺术品。

(三)素描的技法和种类:

1.线和线条技法,素描的要素是线,但是线在实质上却是不存在的,它只代表物体、颜色和平面的边界,用来作为物体的`幻觉表现。直到近代, 线才被人们认为是形式的自发要素,并且独立于被描绘的物体之外。

2.素描是用线条来组成物体的形象,并且描绘于平面之上,藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形,可以被认为是某平面 的边界;另外加上第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的线条可以象征拱顶,交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中,得到可以领会的形象。因此透过线条的手段,单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描 3.在素描中可以用线条区分立体与平面,至于色彩明暗是为了加强和厘清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始,消失和中断来画出边界 ,并且形成平面,也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化,甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。

4.素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时,在明暗对照上可用擦笔法。而更重要的是使用毛笔画法,因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。素描也可用多色 画笔作为基本材

料,用来加强素描效果以及素描的艺术性。

(四)素描工具:

1.素描的工具种类很多,如石笔、炭笔、铁笔、粉笔、毛笔、铅笔和钢笔等;也有用钻子和金钢石作画的。工具的不同关系着素描的性质和构图,工具也能影响画家的情绪和技巧。

2.工具的选用取决于画家所想要达到的艺术效果。一般认为,干笔适宜作清晰的线条,水笔宜于表现平面;精美的笔触可用毛笔挥洒,而广阔的田野则可用铅笔或粉笔去勾勒。炭笔是两者都可兼用的。

3.以作品尺寸而言,大幅素描作品适宜用木炭来画,对于轮廓、照应等可经长久的时间细细研究、分析。至于铅笔适合较小尺寸,很少大张的铅笔画,而钢笔画则更小了,往往在插画上用得较多。

(五)素描题材:

1.素描原是为绘画、雕刻等艺术服务的,后因其流畅、充实和美观,发展成为独立的艺术。其题材可以取自任何事物,不受拘束,一般以肖像和 风景为主,而西方的素描常是人物和静物,到了19世纪又出现以日常 生活为题材的素描。其它还有想象和抽象素描、艺术性建筑素描等。

2.至于20世纪的素描似乎是反映不安、动荡和科学进步的。其中一些以表现线条豪放为特色。还有一些画家试图把生活纳入几何图形中 (立体派)。

3.在20世纪各流派中也有X射线式的技法,即同时看到外部和内部。表现主义画家追求“表现一个场面的感情而不是描绘事物的现实外表”, 超现实主义者则着重表现潜意识心理。

4.除以上所列举各种形式的素描之外,还有实用性和技术性素描。实用素描要清晰地记载一件客观事物,从总体上说,它不重审美,而突出技术 设计。实用素描包括为科学目的而作的插图与说明。很多艺术家作过科学说明的素描。

5.文学作品中的素描插图,一般是为某段文字描写而作的图画说明,但因它表现了画家特有笔法风格,至今还享有崇高的艺术声誉。与此相关的还有漫画,这是用于社会批评而创作的一种假定性图画。并由此而发展成连环图画,进而演变成现代卡通动画片。

(六)为什么把素描做为一切绘画的基础和必修课程来训练:

首先是它色调的单一性,易于掌握和表现。同时是它的工具也比较简单。从时间的划分素描可以分为长期作业和短期作业。一般来说长期作业为8个课时,短期作业为4个小时左右。也有更长的作业。从训练的方法可以划分为习作性素描和创作性素描。作性素描就是我们平时在课堂上的作业,创作性素描就是用素描的表现方法进行做画。

(七)素描的基本要求:

1、首先要构图完整,画面没有凌乱的感觉。同时形体要准确。

2、基本色调要准确到位,这里的色调包括光影和物体的固有色。

3、要注意物体质感和量感的表现,质感就是物体材料的属性。比如它是什么材料做的是金属的,玻璃的,还是陶瓷的等等。量感就是物体在视觉上产生的重量,而不是物体本身的重量。

4、空间感的塑造是绘画的重点。空间感就是说整个画面的深度,这就包括物体和物体之间的视觉距离,物体和背景的视觉距离。

5、素描长出现的几个错误,画面发灰就是指在塑造明暗时没有把黑白色调拉开,用一种色调或相近的色调画了所有的物体,就容易出现灰的错误。还有就是发花,发花的原因是因为画面用了很深和很浅的色调去表现所有的物体,缺乏过度的中间色调。和画面发灰正好相反,它们两个错误应该是互相弥补的。

(八)素描线条的演变:

1.线条的解放:(安格尔对绘画线条的革新)

(1)在古典主义法则笼罩之下,线条本身除了被用作『完美比例』的度量外,它的功能是被抑制的。

(2)安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制,而拓展到图案花纹的形式。

(3)对安格尔而言,人体的比例并不求自『自然』或实证的实现,他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理,强调画面的平面性,使事物本身之重要性,附属于形式要求之下。

(4)讲求结构与形式,而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整,同时并介入了图案花纹式之构图。

2.强调线条本身意义与表达的特质。

3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发:

(1)一个线条在画面的行进的痕迹,乃接受自创作者内在自发性律动的影响。

(2)德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用,不只将线条的功能远脱离古典传统,并将素描积极推向绘画,使绘画上明显笔触的物质性增强,奠定现代绘画发展的基础。

(九)东方的素描:

1.西方人认为,纯素描在远东极负盛名,多数的中国及日本艺术家都只作所谓的毛笔素描,他们不采用不透明的颜料,而以直接的笔触造成整体。在波斯--瑞札,阿巴西( RIZA ABBASI,1565年)也同样不用颜色而以书法线条来表现创作,把其思路幻想透过笔和刷子表现出来。

2.我国的山水,兰竹,花鸟,水墨画,实在完全是一种素描,自由潇洒素雅的感觉。虽然寥寥几笔,可是这里面也含着与油画同样的条件。也要有气韵,有强弱,有力量。

3.中国早在公元前二世纪就已出现了素描,到汉朝末年,以线描为其特色的壁画已有很多,北魏和唐朝以后,中国素描画即相当普遍地出现在绢、纸和册页上。

(十)艺术家对素描的态度:

不少艺术家曾临摹其它艺术家的素描,如鲁本斯 (RUBENS;公元1577~1640年)、林布兰特 (REM.BRANDT;公元1609~1669年)及梵谷 (VAN GOGH;公元1853~1890年)。临摹者藉素描以学习人师的风格及语汇,以便再创高峰。这是学习素描极重要的一步,也是准备作画的不二法门。以下是艺术家对素描的态度:

1.一种特殊风格:窦加(DEGAS),罗特列克(LAUTREC),梵谷(VAN GOGH)

2.兴趣:林布兰(REM.BRANDT),哥雅(GOYA)

3.复制用:杜米埃(DAUMIER),季斯(GUYS)4.为鉴赏家而作:卡拉齐(CARACCI)兄弟,保罗.布利尔(PAUL BRIL),拉法吉(LAFAGE)

5.用素描作馈赠:米开朗基罗(附录一)

(十一)常用的素描用语:

1.明度:色相明亮或沈暗的程度。

2.比例:一部份跟另一部份或整体在量或尺寸方面的关系。

3.构图:各部份的一种配置法,依照经过设计的格式,一致的比例,或重复的体系去安排。

4.轮廓线:描述前进或后退的形状之变化方面的一条断续线或连续线。

5.平衡:在设计或绘画里,各项元素达到均衡的状态。

6.线影:平行或靠近得足以形成一个面的断续线。

7.立体表现法:控制明暗的逐渐变化以创造实体形式的错觉效果,使物体有三度空间的特质。

五、作业安排

1、鼓励学生博览素描图书,了解素描静物课程基础知识。

2、通过图书馆和网络渠道查找并阅读东西方素描绘画的历史发展。

3、临摹一幅优秀的素描静物作品、课堂写生一幅素描静物,要求质量高、理解全面。

篇5:素描美术课件

素描美术课件

素描美术课件已经为大家准备好啦,老师们,大家可以参考以下教案内容,整理好自己的授课思路哦!

一、教材

1、本课内容的地位和作用:

本课是静物素描中最基础的知识,包括了静物组合的构图练

习、物体塑造和画面整体感觉,是静物素描中不可缺少的课程。

2、教学目标:

理解掌握物体内部结构,提高抓形能力

3、教学重点:

理解物体内部结构

4、教学难点:

如何去表现物体的内部结构

二、教法

示范、启发、引导、讨论、欣赏、体验

三、学法

学生欣赏、讨论、实践体验

四:教具学具准备:

课件、范画、绘画工具

五、教学过程:

1、组织教学

检查写生的作画工具的准备情况

2、复习旧知识

什么是结构?怎样去找物体的结构(师生一起回忆旧知识)

3、讲授新知识:

在画前,首先要观察分析形体的结构特征

内容有:

①、形体特点(物体是方的?圆的?规则的?不规则的?)

②、高宽比例(单个物体高宽的比例、一组静物中各个静物之间的'比例)

③、空间位置的比较(前后左右)

④、虚实比较(前实后虚、主实次虚)

⑤、形体的衔接关系、物体边缘线位置以及结构钱的隐现等等。

作画步骤:(老师一边示范一边讲解)

步骤一:从长线分割画面空间,确定大体构图,运用描绘单个物体的基本形的方法,画出所有物体的基本形态。

步骤二:从主体物开始,运用线条造型方法,画各物体的形、结构。用线要注意轻重、浓淡、宽窄的变化,主次关系。把物体各部位的透视开关画准确。

步骤三:画出明暗交接线的位置,把背光部位和投影稍加渲染。

步骤四:认真检查,整理画面的各种关系使之准确、协调,调整完善画面。

学生练习,老师指导

篇6:素描教学课件

2017素描教学课件

实训目的:

1.透彻理解弧线的透视规律。

2.掌握陶罐和梨子的结构表现方法。

3.培养学生对事物的观察能力。

实训内容:

1.陶罐的结构表现

2.梨子的结构表现

实验设备:

教学场地:画室

教具准备:图片

实训步骤:

一、陶罐结构素描写生

1.引入:(将陶罐结构素描的图片展示给同学们看),提问:陶罐的结构素描需要表现什么?

2.分析:在绘制陶罐时,首先要抓准形体关系,然后找到陶罐的明暗交界线,然后对陶罐的口、颈和身体有转折的部分进行结构表现。

绘制步骤:①起稿,定出罐子的高、低、左、右四点

②画辅助线,确定物体的轮廓

③调整形,画出明暗交界线和内部结构

④强调物体的空间感,注意虚实变化

⑤对暗部和阴影略施调子,调整

3.学生操作:对陶罐进行结构素描写生

4.对学生的作品进行评价,肯定成绩,指出存在的问题,分析出现问题的.原因与改正的方法。

二、梨子的结构素描写生

1.引入:我们上周对苹果和橘子进行了结构表现,我们在画苹果和橘子的结构素描时,主要是对它们的明暗交界线和结构转折线进行了描绘。事实上,梨子的结构素描也是如此。

2.分析:我们对梨子进行结构素描表现时,在准确表达梨子形体关系的基础上,对梨子的细微结构进行表现。

绘制步骤:

①起稿,定出梨子的高、低、左、右四点

②画辅助线,确定物体的轮廓

③调整形,画出明暗交界线和内部结构

④强调物体的空间感,注意虚实变化

⑤对梨子的暗部和阴影略施调子,调整

3.学生操作:对梨子进行结构素描写生

4.对学生的作品进行评价,肯定成绩,指出存在的问题,分析出现问题的原因与改正的方法。

实训小结

我们今天对陶罐和梨子的结构素描进行了学习。要画好这些物体的结构,首先要对它们的结构关系有清楚的认识,理解清楚了形体关系后才能画出准确的结构。

篇7:美术素描课件材料

教学目标:通过学习几何体的结构及明暗关系更深刻的体会到素描所存在的问题。如:几何体的透视,物体的黑白灰间的关系。

教学重难点:

重点 通过对立方体的学习,掌握立方体的三点透视与明暗变化规律。

难点 透视:正方体的三点透视,俯视角度观察,正方体三条竖边并不是垂直线,手头是影响,三条竖边带有向内收的倾斜角度,这属于正方体的竖向透视。调子:正方体调子前实后虚、亮实暗重、上实下虚、物体实而背景虚、视觉中心实而四周虚。

教学过程:

1、用长直线确定正方体主要基点的位置,同时确定上下左右的比例关系。定位时尤其要注意三条竖边并不是垂直的,它们代表了正方形的纵向透视。

2、连接基点,确定三方面的形状。连接时需注意正方形顶面的对角是离观者视点最近的,因此此处三处相接线的结点最实,越到远处的线与角要逐渐画虚。

3、铺设的明暗关系,形成一定的空间关系。由于正方形的明暗交界线非常明显,作画时要将它理解为一个面来处理。

4、加强明暗对比,拉大暗面,投影的虚实关系,并适当强调周围背景。在靠近不离亮部的位置用背景的黑,在靠近暗部的位置用背景的白衬托出主体的空间感。

教学反思:由于学生初学美术,对结构的.认识还不够,在以后需要加大对几何体结构的训练。而这过程中,更多的培养学生自己去发现物体从初始的观察到最后成型的方法。对于从0基础出发的特长学生们,自主的观察能力培养还是要放在首位。

篇8:美术素描课件材料

教学目的:

1.培养学生的观察力与形象思维能力。

2.提高学生的审美情趣和静物素描的表现能力。

知识与技能:

素描的训练致力于培养学生对于自然的认知形式及其结构分析的观念,通过对物象结构的分析来深入对于空间的自我感受(诸如对形体观察与感受的程度,力量在空间的运动作用,直觉的空间判断,心智的推理等等)。

情感态度与价值观:

通过素描对于艺术创造的这些隐性作用,使学生从某一确定的描写过程中感受到内在结构的生命世界。

教学重点:

1.掌握素描临摹中的步骤与方法。

2.单个物体的造型与画面的整体效果之间的关系。

教学难点:

单个物体的造型特征与画面的整体效果之间的关系。

学生教学准备:铅笔、小刀、橡皮擦、纸、橡皮、胶带、橡皮泥……

教师教学准备:课件、签到本、纸、灯光、摹本、静物台……

教学过程:

一、作品欣赏:两至三张的静物素描优秀作品欣赏

二、要点解析——静物素描临摹的注意事项

素描静物写生是基础素描训练必须经历的一个重要环节,是进一步学习头像写生和石膏像写生,乃至更复杂素描课程的基石,也是色彩静物写生必须具备的基本功。基础素描写生主要指写实性素描,包括调子素描和结构素描。调子素描为的是锻炼初学者对于客观物象全方位的感受能力、理解能力和表现能力。而结构素描则是为了加强对形体结构的充分理解所进行的一种素描训练方法。调子素描强调全因素:包括比例、透视、色调层次、结构体感、空间感、质感、情调等等。而结构素描只注重对形体的结构分析,研究形体的组合与构成关系,造型手段较为单一,主要是用线造型。当然二者并不矛盾,是相辅相成的关系。是理解与表现的互补。如何画好素描静物呢?下面谈一下训练是应该注意的几个要点:

三、整体与局部的关系

在绘画写生中,整体概念自始至终都是一个核心问题,如何处理整体与局部的关系,更是必须面对的首要任务。当然,我们不能把整体概念庸俗化和绝对化,一味的强调整体而忽略局部也是错误的,没有局部整体无法依存。整体不是一种方法,而是一种观念。在素描静物的写生中,物体组合一般较多,我们必须确立从整体出发的观念,整体认识、整体观察、整体把握。画苹果想到陶罐,画方的想到圆的,画桌面想到背景。在整体的框架之内,局部的表现空间十分巨大,没有局部的深入刻画,整体将失去存在意义。因此我们完全可以大胆地深入局部,刻画局部,只要始终遵循整体法则,贯彻主次关系,局部画法是大有可为的。

四、观察与表现的关系

有的初学者面对静物写生经常说不会画,似乎表现技法独立于实物之外,这是一种极端的误区。古人说:“师法自然 ”,自然即老师。作为写实性素描,就是在“师法自然”。不是不会画,而是不会看。面对一组具体存在的物体,眼睛不会观察,看不到整体之间的区别与联系,看不出局部的细微变化与互动,而是一味的讨要方法,实在是写生的大忌。观察不外乎整体对比:大和小的区别、高和矮的区别、平和斜的区别、黑和白的区别、硬与软的区别等等,找出相互的差别就是整体对比。没有整体对比的观察方法,局部孤立的表现永远是错误的。

五、主观与客观的关系

面对一组静物中所有的物体,我们是否要面面俱到,照搬照抄呢?艺术来源于自然而高于自然,照相写实有一定的局限性。尊重实际,发挥主观能动性才是艺术的最终法则。如何处理表现与再现的关系,主观和客观的关系,是初学者需要注意的。确立整体观念,概括处理好画面的主次关系,前后关系、虚实关系、空间关系等,就是主观和客观的统一。

六、结构与调子的关系

对于初学者,理解结构有相当的难度,而训练调子要容易的多。是调子重要还是结构重要呢?对于绘画艺术而言,结构更是本质,而调子则是表象。调子素描如果失去了色调的层次感,则很难达到具象的目的。当然没有结构,调子素描则失去内在的构造和骨架,是画面成为“表面文章”。结构素描抛弃调子因素,注重形体的构建与组合关系,倒是抓住了本质,忽略了表面,因此也更“艺术”。因此说,忽略调子尚可,而失去结构则永远不可。

七、分阶段学习。

第一步:确定整体比例形

第二步:勾画基本平面形

第三布:上色调

第四步:整体调整

八、作业点评:

1、表扬主动举手或主动积极思考回答问题的学生

2、表扬造型准确的同学,引导学生学会观察物体的形状。

3、表扬构图漂亮的学生。引导学生有构图意识。

4、表扬有风格的作品。敢于表达自己的思想和观点的作品。

5、下节课安排。记下上课人数填表。发放星星。依次放学。

九、课后反思:

经验:授课思路条理,使学生较容易理解;

训练步骤清晰,使学生较容易驾御。

不足:学生对如何由形转化为体的认识不熟练;

学生对物象的骨架分析从直觉到知觉都不甚熟练。

篇9:小学素描入门教学课件

小学素描入门教学课件

素描基础理论

课程名称:

石膏几何体(正方体)

教学目的:

通过本科教学使学生懂得写实素描:石膏几何体写生的意义。掌握写生的观察

方法、作画步骤、和技巧。为上好其他绘画专业课奠定造型基础。 教学重点:正确的观察方法,对形体空间状态的理解和分析,透视现象和原理。 教学难点:对形体空间状态的理解,绘画透视原理。

教学方法:讲授法、示范法、参观法、图片展示法,谈话法。

教学工具准备:

1 教具---写生台、衬布、景物、石膏几何体正方体、范画、印刷画页、画册。

2 学具---素描纸、中华绘图铅笔、HB、B、2B、4B、削笔刀、橡皮。 学 时:2课时

教学内容与过程

课时分配:

一 理论部分1课时。

1 概述:素描的基本概念;基本分类和学习的意义;素描的`工具材料。

2 景物、石膏几何形体写生的目的和意义。

3 景物、石膏几何形体写生基本透视原理。

4 景物、石膏几何形体写生的光影规律。

5 写生中的角度选择及构图。

6 写实素描的观察方法与表现。

7 素描造型的基本要素。

8 长短期素描作业的表现方法。

二 实践部分54课时

作业1:立方体、白衬布

要求:线造型,立方体的各条棱边线必须服从透规律。简单画出白色石膏不同面,由于受光角度不同所呈现的不同深浅调子。

作业2:立方体,陶罐,浅灰色衬布写生。

要求:线造型略加光影,仍然训练学生对形体和透视现象的理解。 作业3:深灰色衬布,圆锥体,瓷灌,立方体。(要求同上)

作业4:球体景物,十字交叉体,金属器、黑色衬布。

要求:全因素描,画出物体的质感量感。

作业5:学生自己选择摆放一组静物作为考试得题目。

评分标准:物体的形状比例准确,符合绘画透视原理;构图大小前后要有层次感、有节奏

篇10:素描几何教学课件

素描几何教学课件

一、了解画石膏几何体的意义

常见的几何体教材有:锥体、球体、六棱柱体、圆柱体和方体等。

1、为什么石膏几何体是初学绘画的必修课?

因为几何体在结构上单纯,也是一切复杂形体最基本的组成和表现形式,只有先进行石膏几何体的绘画训练,能让大家比较容易的掌握最基本的素描造型方法,和初步的掌握素描五大调子、形体结构以及视透的变化。

2、几何体一般采用石膏做材料,在质地上比较单纯,也暂时不用考虑固有色对形体明暗的干扰,有利于初学者集中精力学习光对形体的影响,掌握色调的基本规则。

二、几何体的视透原理

视透的种类:平行视透、成角视透、散点视透。

1、平行视透:平行视透也叫一点视透,即物体向视平在线某一点消失。

2、成角视透:成角视透也叫二点视透,即物体向视平在线某二点消失。

三、视透在绘画的特性

1、近大远小:近大远小是视觉自然现象,正确利用这种性质有利于表现物体的纵深感和体积感,从而在二维的画面上来表现出三维的体积空间。

2、近实远虚:由于视觉的原因,近处的物体感觉会更清晰,而远处的物体感觉会有些模糊,这一现象在绘画中也经常用来表现物体的纵深感。事实上,在绘画过程中,往往会对近实远虚更加以强调。

(另外应注意的是:并非在所有的绘画过程中都遵守“近实远虚”这一规则,在一幅作品中主与次的关系往往更为重要,主体物的实和次体物的虚是更好的视觉导向,这也是艺术优于现实的取舍和区别)

四、做示范

1、球体:

A、构图:

画球体第一步要先画出一个正方形

(用直线在画纸上定出最高点和最低点,以及等量长度的宽,注意构图的位置重心应在纸张的中心偏上。)

然后用直线依次逐步削去其角,逐步使其趋于圆形。

(注意:画圆一定要用直线来画,不能直接以弧线来圈一个圈,更不能运用圆规,这样做意在锻炼眼力和塑造形体的能力。)

B、找出明暗交接线:

在球体上明暗交接线是一个弧形,同样用短直线相衔接来表现这一弧形明暗交接线。

(注意:明暗交接线在球体上的表现并非是截然的明暗分界,而是一个较模糊的,并且受反光影响,明暗交接线在色度上也并非一成不变,在表现上就更应注意观察,避免画死和概念化。)

C、施加明暗:

在施加明暗时,最好把处于暗部的包括明暗交接线、暗面、反光和投影一块儿统一起来画。先统一为一体,然后再在“明暗交接线”等地方逐步加以强调,使之在统一中寻找变化、对比和关系。在亮面靠近明暗交接线的地方是亮灰面,它的表现应由靠近明暗交接线到高光方向依次减弱,并始终使其明度高于暗面,高光的地方留白。

(在画的过程中为了突出球的体积效果,可以强调明暗的`对比,特别是明暗交接线的表现,事实上往往画得比看到的调子要重些。这是因为铅笔的表现力度远远达不到光照的效果那么丰富。)

D、调整:

调整在整个绘画过程中是很重要的一步。在前面局部的刻画中,难免会出现和整个调子不和谐的地方,或者是刻画不足或者是刻画太过,甚至是某些局部的形不够准确,都会影响到整体效果,在调整过程中,就是针对这些进行修改,使其在形体上准确,色调上统一和谐。(在调整中,作为最初的辅助线,此时也应融入到形体中,特别是最初所画的圆、表现明暗交接线的弧线,都应融进所属的面中,对于多余的辅助线应擦去。)

2、圆柱:

A、构图:

画圆柱第一步要先画出一个长方形。

(用直线在画纸上定出最高点和最低点,以及宽,注意构图的位置重心应在纸张的中心偏上。)

截取一段儿高度为圆柱切面圆的视透形,注意观察圆柱的视透变化,然后用直线依次逐步削去其角,逐步使其趋于椭圆形,由于视透的近大远小的法则,椭圆在视透上的前半圆要比后半圆略高些。下圆面的视透也一样。

B、明暗交接线:

在圆柱体上明暗交接线是一个在弧形面上的直线,同样用短直线相衔接来表现这一弧形明暗交接线。明暗交接线在圆柱体上的表现也是一个较模糊的,并且受反光影响,明暗交接线在色度上也并非一成不变。

C、施加明暗:

在画的方法上和球体一样,在施加明暗时,也要把处于暗部的包括明暗交接线、暗面、反光和投影一块儿统一起来画。先统一为一体,然后再在“明暗交接线”等地方逐步加以强调,使之在统一中寻找变化、对比和关系。在亮面靠近明暗交接线的地方是亮灰面,它的表现应由靠近明暗交接线到高光方向依次减弱,并始终使其明度高于暗面,高光的地方留白。上圆截面由于受光的斜射,应作为亮灰来处理,强调上截面圆和暗面对比在视觉上所造成的反差,在处理上应将靠近暗面的部分渐渐变淡,以增强这种对比。画投影时除了找投影的准形外,在处理上应和暗面一起来画,然后略强调较靠前的投影部分,并逐渐变淡,使之在视透上处于远部分的投影变虚(近实远虚)。

D、调整:

调整在整个绘画过程中是很重要的一步。在前面局部的刻画中,难免会出现和整个调子不和谐的地方,或者是刻画不足或者是刻画太过,甚至是某些局部的形不够准确,都会影响到整体效果,在调整过程中,就是针对这些所做的进一步修改,使其在形体上准确,色调上统一和谐。

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